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SCHEDA DIDATTICA 21 |
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La natura morta consiste nella rappresentazione di soggetti 'inanimati', in particolare fiori e frutta recisi, selvaggina morta, vasi e contenitori di varia foggia e materiale, libri, strumenti musicali, curiosità esotiche. L'espressione natura morta deriva dal francese nature morte, che fa la sua apparizione intorno alla metà del XVIII secolo. Fino a quel momento il genere pittorico in questione veniva indicato con un termine che significa 'natura immobile, silenziosa': Stilleven (olandese), Stilleben (tedesco), Still-life (inglese). Si tratta di espressioni che implicano un giudizio di valore negativo rispetto alla 'natura vivente' della pittura che ha per protagonista la figura umana (pittura di storia). Da questo punto di vista, il suo destino è analogo a quello della pittura di paesaggio e della scena di genere. Tutti e tre questi generi pittorici, infatti, hanno le loro origini nella cultura figurativa del XVI secolo, e raggiungono la piena autonomia nel secolo successivo. E tutti e tre incorreranno nella riprovazione e nella condanna da parte della critica accademica, che li considera una produzione 'inferiore' rispetto alla grande pittura di storia, quella che attinge alla storia sacra, alla mitologia, alla letteratura, e che ha quindi per protagonista l’uomo (non comune) e le sue azioni valorose, esemplari e di pubblico interesse. |
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Fin dal Seicento, infatti, le Accademie d'Arte che cominciano a costituirsi in tutta Europa si dotano di statuti nei quali i vari generi pittorici vengono ordinati gerarchicamente. Alla natura morta viene riservato il rango più basso, alla pittura storica quello più alto. Si tratta di una gerarchia che segue sostanzialmente lo schema filosofico del cd Albero di Porfirio, per cui la realtà è vista come strutturata a partire dagli oggetti inanimati (est), cui seguono quelli viventi (est, vivit), poi quelli animati perché senzienti (est, vivit, sentit) e infine l'uomo (est, vivit, sentit, intelligit), che dotato di raziocinio e di un'anima immortale è al vertice della creazione. Questa impostazione gerarchica spiega il giudizio negativo assoluto sulla natura morta, poiché essa ha per soggetto una natura immobile, inanimata. Ma anche la diffidenza per la pittura di paesaggio, che raffigura scenari naturali nei quali la presenza dell’uomo ha un'importanza marginale; e per la scena di genere, nella quale protagonista è la vita della gente comune, spesso appartenente agli strati più umili della popolazione, presentata nei suoi aspetti più quotidiani e intimi (il lavoro, i divertimenti, la vita familiare etc). Un pregiudizio che verrà superato solo alcuni secoli dopo. Il fatto è che "La natura morta rende immutabile, nella immobilità della posa, un frammento di tempo e di spazio che appartengono alla quotidianità a differenza |
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del
tempo del "sacro" e della "mitologia"
che appartengono al "per sempre", come
di quello della storia "pubblica" o
privata del ritratto che prevedono
avvenimenti e date precisi: questo il
cambiamento concettuale che occorre
sottolineare, indipendentemente
dall'eventuale portato simbolico che gli
oggetti presenti possono aver contratto"
(A. Veca in 'Evaristo
Baschenis', 1997). L'Italia e l'Europa del Nord si contendono il primato delle origini della natura morta, ma i critici non sono ancora riusciti a stabilire in modo inequivocabile a chi spettino realmente. I sostenitori della linea 'italiana' mettono in evidenza che già nel mondo antico esisteva una produzione di nature morte e che in epoca rinascimentale c'è non solo una ripresa della tradizione artistica antica ma anche un nuovo impulso all'indagine empirica della natura, e alla sua rappresentazione; si tratterebbe quindi di un rinnovato omaggio alla classicità. I sostenitori della linea 'nordica' puntano su fattori socio-culturali: l'assenza di una tradizione accademica di forte impianto classicista (per cui è nobile solo la pittura di storia); la condanna protestante delle immagini di culto, che favorisce la diffusione di soggetti non religiosi, di contenuto profano; il ruolo predominante assunto dalla borghesia mercantile, che vede nella raffigurazione delle 'merci', che sono alla base del suo successo, la celebrazione del suo nuovo status e della sua ricchezza (sono i medesimi argomenti usati per spiegare l'affermazione anche della pittura di paesaggio e della scena di genere); l'amplissima diffusione del genere (centri di produzione, artisti specializzati) cui farebbe riscontro il carattere episodico del fenomeno in Italia. C'è anche una interpretazione di mediazione, di chi rileva che "nel corso degli anni le due posizioni si sono dimostrate parimenti valide e attendibili, ciò ... sta a dimostrare che questo genere non ebbe una sola origine, ma nacque in situazioni e ambienti diversi con forme e e apporti la cui varietà ne arricchisce grandemente il significato" (M. Gregori in 'La natura morta al tempo di Caravaggio', 1995). E visto che nel Cinquecento "i maestri più attenti al dato 'naturale' sono soprattutto i pittori attivi nelle Fiandre (in particolare ad Anversa) e in Italia settentrionale. Queste due grandi aree - peraltro in reciproco e intenso contatto - si dividono il 'primato' nella nascita della natura morta" (La natura morta italiana, 2003). Poiché l'argomento è molto vasto, qui se ne propone una sintetica e ridotta disamina (escludendo gli ultimi due secoli).
● IL MONDO
ANTICO: XENIA E
ASAROTOS OIKOS |
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Dalla vita quotidiana prende spunto
anche un tipo particolare di natura
morta, proprio dei
mosaici pavimentali: l'asarotos
oikos
(stanza non spazzata), vale a dire la
raffigurazione dei resti di un banchetto
- lische di pesce, noccioli di frutta,
bucce, gusci di molluschi, zampe di
pollo ecc - su un pavimento. Il suo
inventore, Sosos di Pergamo (II sec.
a.C.), potrebbe infatti essersi
ispirato a una pratica devozionale, per
la quale le vivande cadute da tavola
erano destinate al culto familiare dei
defunti. Stando a Plinio il Vecchio
(23-79) "L’artefice
più celebre di pavimenti a mosaico fu
Sosos, che a Pergamo fece il pavimento 'asàrotos
oikos', perché con tasselli piccoli e di
vari colori vi aveva disegnati, come se
vi fossero stati lasciati sopra, i
rimasugli della tavola ed altri rifiuti
che abitualmente si spazzano via". Un'invenzione che ha avuto grande successo, tanto da ritrovarne una tarda rilettura nei mosaici sulla volta del corridoio anulare del mausoleo di Costanza (340) a Roma (click). Xenia e asarotos oikos nascono in epoca ellenistica, quando l'interesse si sposta dall'Uomo ideale (al centro dell'arte classica, vedi il Doriforo di Policleto) all'uomo immerso nella realtà, fuggevole e in continuo cambiamento (vedi l'Apoxyomenos di Lisippo). I centri che giocano un ruolo importante nello sviluppo del genere sembrano |
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essere stati la citata Pergamo e
Alessandria d'Egitto, ma poiché
le opere originali sono andate perdute è
nell'arte delle città vesuviane, in
particolare Pompei, che si coglie il
riflesso di quelle produzioni. Da quest'area provengono, infatti, circa trecento xenia, che fanno la loro apparizione nelle pitture parietali del cd II stile pompeiano (I secolo a.C.) e che appaiono spesso concepiti come veri e propri quadri (pinaches) illusionisticamente appesi tra le architetture in prospettiva tipiche di questo stile. La qualità esecutiva non di rado è mediocre, probabilmente proprio perché si tratta di copie da originali su tavola, ma ce ne sono alcuni molto belli, ed estremamente 'moderni'. |
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Villa di Poppea, Oplontis (Torre Annunziata) |
Domus di Giulia Felice, Pompei (staccato) |
Villa di Fannio Synistor, Boscoreale |
Domus dei Cervi, Ercolano |
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● LE 'COSE'
AL CENTRO DELL'INTERESSE (SECC. XV-XVI)
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incentrata su
un soggetto
'storico'. Ciò avviene sia nell'Italia
del Rinascimento che nelle Fiandre,
aree peraltro caratterizzate da scambi e
influssi reciproci.
Esemplificativo è il San Girolamo nel
suo studio di Jan van Eyck
(1435-40), con la sua bellissima natura
morta di libri e oggetti che
sottolineano l'erudizione del santo. Tipicamente italiane sono invece le tarsie lignee. Nelle più celebri, dello Studiolo del duca di Urbino nel Palazzo Ducale (1473-76), un uso virtuosistico della prospettiva crea una galleria di immagini in cui protagonisti sono proprio gli oggetti (libri, armi, strumenti musicali, clessidre, gabbiette con uccelli ecc), sia pure inseriti in un percorso di rimandi simbolici (otium e negotium del duca). Nel XVI secolo questo interesse per le 'cose' si rafforza, probabilmente anche sotto la spinta di un nuovo approccio empirico allo studio della natura. Quello che ritroviamo in Leonardo, artista e scienziato, che ha lasciato un influsso profondo in area lombarda, dove non a caso appaiono i primi esempi italiani di natura morta autonoma (Figino e Caravaggio). E nei naturalisti come Konrad Gessner († 1565) e Ulisse Aldrovandi († 1605), che con le loro pubblicazioni alimentano una produzione di tavole scientifiche che illustrano con correttezza e immediatezza il mondo naturale (attività in cui si distingue il celeberrimo pittore di 'cose naturali' Jacopo Lingozzi). Un ruolo nella diffusione dei 'naturalia' in tutta Europa lo avrà anche Giovanni da Udine, molto attivo nella bottega di Raffaello, e specializzato nella pittura di grottesche e festoni vegetali, come quelli bellissimi nella Loggia di Psiche di Villa Chigi alla Lungara a Roma (1517-18), con fiori e frutti sicuramente studiati dal vero (per un elenco delle specie vegetali, click).
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Parallelamente,
sempre più
diffuse sono le rappresentazioni di
scene di mercato e di cucina, un vero
trionfo di cibi di ogni tipo: per tutte,
la Venditrice di frutta, verdura
e pollame (1564) di Joachim
Beuckelaer († 1574), nipote di
Aertsen. È in questa produzione che molti studiosi, sostenitori della 'linea nordica', individuano i veri precedenti della natura morta. Sullo scorcio del XVI secolo 'le cose' si emancipano definitivamente dal loro ruolo di decorazione e diventano protagoniste esclusive del quadro. Come si à detto, non è possibile indicare un luogo (Italia o Nord Europa) e una data precisi di questo accadimento. Si può però dire che in questo processo un ruolo cruciale viene svolto da Caravaggio († 1610), non a caso formatosi in quell'area lombarda dove Giovanni Ambrogio Figino realizza una delle prime 'vere' nature morte (Natura morta con pesche e foglie di vite, 1591-94). Arrivato a Roma intorno al 1592, Caravaggio dipinge una serie di quadri con mezze figure e nature morte, tra cui Ragazzo con cesto di frutta (1593-94) e Bacco (1594-95). E, soprattutto, la celebre Canestra di frutta (tra 1594 e 1599) o Fiscella, compiuta espressione del nuovo genere e |
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manifattura
gli era fare un quadro buono
di fiori, come di figure"
(Vincenzo Giustiniani, lettera del 1620). |
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● AUTONOMIA DEL GENERE E SPECIALIZZAZIONI (SEC. XVII)
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Indica l'accumulo di cibi e utensili
sopra o sotto tavoli e mensole, esempio
di abbondanza ma anche di transitorietà. Per questa categoria ricordiamo il toscano Jacopo Chimenti detto l'Empoli († 1640), specializzato nelle scene di cucina con vasellame e cibi disposti in file ordinate, e anche pendenti da ganci. C'è poi la variante spagnola del bodegon, cioè l'angolo in muratura su cui vengono appoggiati e appesi ortaggi e carni di consumo quotidiano. Il più grande interprete ne è stato Juan Sanchez Cotán († 1627), con opere di grande chiarezza e rigore compositivo (Natura morta con frutta, 1602). |
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| a2. Colazione Nei cataloghi dell'epoca è chiamata ontbijt. Si sviluppa in particolare in area fiamminga e tedesca. Su una porzione di tavolo sono collocati, con una disposizione apparentemente casuale e in quantità limitata, cibi e suppellettili in vetro, metallo o |
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ceramica. Prevale il punto di
vista ravvicinato, che
accompagna una descrizione
analitica, con effetti di vero
trompe-l'oeil. I cibi in genere sottendono un significato particolare, spesso religioso: vino, pane e uva sono simboli eucaristici; a Cristo alludono pesci e noci; la mela richiama il peccato originale, burro e formaggio associati alludono allo spreco, le ostriche alla voluttà. E così via. Tra gli esempi: Natura morta con dessert del tedesco Georg Flegel († 1638) e Natura morta con bicchieri, limone e ostriche (1633) del fiammingo Pieter Claesz († 1661), grande interprete del genere. |
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a3. Tavola imbandita |
Indicata nei cataloghi come
bancket, ha un'ampia diffusione
in Olanda. Ha caratteri di
esuberanza e sfarzo, e si propone
come una vera e propria 'messa in
scena' di oggetti tra i più variati,
esaltati da un attento studio della
luce. Tra le più belle, e complesse, ci sono quelle di Jan Davidszoon de Heem († 1683) e di Willelm Claeszoon Heda († 1680), rispettivamente Il dessert (1640) e la Natura morta con torta, brocca d'argento e aragosta (1658). |
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BIBLIOGRAFIA:
A. VECA,
Natura morta,
Art & Dossier 1990;
N. SCHNEIDER, Nature morte, Taschen 1991;
La
natura morta al tempo di Caravaggio, catalogo della mostra -
Roma Musei Capitolini, 15 dicembre 1995 - 14 aprile 1996;
Baschenis e la natura morta in Europa, catalogo della mostra
- Roma Accademia Valentino, 15 marzo - 8 giugno 1997;
S. ZUFFI
(a cura di), La natura morta, Electa 1999;
S. DE CARO, La
natura morta nelle pitture e nei mosaici delle città vesuviana,
Electa Napoli 2003; L. BORTOLOTTI, La natura morta. Storia
Artisti Opere, Giunti 2003;
La natura morta
italiana. Da Caravaggio al Settecento, catalogo della mostra
- Firenze Palazzo Strozzi, 26 giugno - 26 ottobre 2003 [Per l'utilizzo di questo tema nella pubblicità si veda, in Alipes, Un evergreen: la natura morta 1, 2, 3, 4, 5] |
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